Fotorealism är en konststil där bilder görs för att se så verkliga ut att det för betraktaren är nästan omöjligt att avgöra om bilden är ett fotografi eller en målning/teckning.
På modellen för andra konstnärliga genrer (t.ex. impressionistiska, expressionistiska, etc.) kallas konstnärer som använder detta tillvägagångssätt som fotorealister och deras verk kan beskrivas som fotorealistiska eller fotorealistiska.
För att skapa ett fotorealistiskt verk använder konstnärer kameror och fotografier för att samla in visuell information som sedan blir grunden för bilden, målet är att efterlikna den fotografiska stilen genom att rita eller måla. I traditionell fotorealism projicerar konstnärer vanligtvis en fotograferad bild på en duk och använder sedan en airbrush för att återskapa effekten av ett foto tryckt på glansigt papper.
Även om de tidigare huvudsakligen var begränsade till konstentusiasters vokabulär, har termerna fotorealism och fotorealistisk plötsligt blivit mycket mer synliga eftersom de har tillämpats i den enormt populära domänen datorspel. Under många decennier nu har varje tekniskt och grafiskt framsteg i spelvärlden varit ett litet steg mot vad som i själva verket är det verkliga slutmålet för majoriteten av speldesigners – en 3D-värld i realtid som verkligen inte går att skilja från en verklig- världsscenen.
Därav användandet av adjektiv fotorealistiska, och ibland fotorealistiska, för att beskriva spel med allt mer förbättrad grafik. Tillvägagångssätt för speldesign som motverkar denna trend och istället gynnar en ”konstnärlig” stil där scener medvetet ser ut som målningar eller teckningar, beskrivs på motsvarande sätt som icke-fotorealistiska.
Bakgrund – fotorealism
Termen fotorealism myntades av den amerikanske författaren Louis K. Meisel 1969. Även ibland kallad superrealism och hyperrealism, fotorealism var en konströrelse som utvecklades på 1970-talet från popkonst (en konstnärlig genre från 1960-talet som använde bekanta bilder som reklam som dess motiv).
Fotorealism sågs ibland som ett motsvar till de abstrakta och minimalistiska konströrelser som förknippades med samma period. När fotorealismen tog fart möttes användningen av fotografier av intensiv kritik, trots att konstnärer hade använt visuella anordningar för att hjälpa deras arbete i många århundraden.
Förutom konstnärer har skulptörer också förknippats med fotorealism och, snarare än att använda fotografier, gjuter de sina skulpturer från levande modeller för att uppnå en simulerad verklighet.
Sammanfattning av fotorealism
Namnet fotorealism myntades med hänvisning till de konstnärer vars arbete var starkt beroende av fotografier, som de ofta projicerade på duk så att bilder kan replikeras med precision och noggrannhet. Exaktheten hjälptes ofta ytterligare av användningen av en airbrush, som ursprungligen designades för att retuschera fotografier.
Rörelsen kom till inom samma period och sammanhang som konceptkonst, popkonst och minimalism och uttryckte ett starkt intresse för realism i konst, framför idealism och abstraktion. Bland flera manliga utövare av fotorealism finns ett intresse för teman av maskiner och industriföremål såsom lastbilar, motorcyklar, bilar och till och med tuggummimaskiner, medan Audrey Flack, den enda kvinnliga utövaren, ger sina verk större emotionalitet och förgänglighet av liv. I slutändan lyckades fotorealisterna locka en bred publik, men de förbises ofta av konsthistoriker som en viktig avantgardistisk stil.
Teman i fotorealistisk konst
Många kända fotorealistiska konstnärer gjorde fotorealistiska målningar som visar intresse för industriföremål och maskiner som bilar, motorcyklar och lastbilar. I Sherwin Williams Chevy, från 1975, målade Ralph Goings en djupblå Chevrolet-lastbil parkerad framför en Sherwin Williams-butik med sådan precision att tittaren lätt kunde missta den för ett fotografi; en vanlig företeelse inom fotorealistiskt måleri.
Mekaniska föremål som återspeglade fritid och populärkultur sågs också som föremål i fotorealistisk konst, såsom konstnären Charles Bells fotorealistiska målning, Gum Ball nr 10: ”Sugar Daddy”, från 1975. Precis som popkonst, utforskade den fotorealistiska rörelsen tvångstankar och passerande tider av amerikansk kultur.
Fotorealism omfattade dock inte samma avsiktliga kritik av amerikansk kultur som popkonströrelsen. Även om många fotorealistiska verk är fyllda med amerikanska mass- och konsumentkulturikoner, såsom snabbmatsrestauranger och mekaniska föremål, var de vanligtvis inte kritiska till dessa ikoner i ett sociopolitiskt sammanhang.
På 1960- och 1970-talen, och fram till helt nyligen, fick manliga fotorealistiska konstnärer mest erkännande. Audrey Flack är bland de få kvinnliga artister som erkänns vid sidan av sina manliga samtida som en första generationens fotorealistisk konstnär. Flacks konstverk följer liknande teman och utforskar föremålens värld genom stillebensmålning och senare skulptur. Hennes arbete gick också längre än att vara rent observerande och skapade kopplingar mellan objekt från det förflutna och de från hennes nutid samtidigt som hon utmanade stereotypa och arketypiska representationer av kvinnor.
Användningen av fotografi i fotorealistisk konst
Konstnärer har använt kameran som ett verktyg i bildkonst sedan fotografiets tillkomst i början av 1800-talet. Faktum är att den tidiga bildframställningstekniken som erbjöds av camera obscura och camera lucida var vanlig på 1600-talet bland de gamla mästarmålarna som Rembrandt och Vermeer.
Som föregångare till moderna kameror projicerade camera obscura och camera lucida en bild på en inre panel. Bilden spårades sedan och målades, och blev många av de mästerverk vi känner till idag.
Utvecklingen av bildskapande hjälpte konstnärer att studera sina ämnen på ett sätt som direkt observation inte kunde. Genom projektion och fotografering kunde motiven för porträtt, bland andra flyktiga instanser, frysas i tid och återbesökas när konstnären passar det.
Men beroendet av fotografi var i stort sett ogillat tills fotorealisterna återtog det som en viktig del av sina konstnärliga processer. Medan tidigare konstnärer tvekade att avslöja användningen av fotografiska referenser, strävade fotorealistiska konstnärer efter att replikera effekterna av fotografi genom ett annat medium. Denna teknik utmanade traditionella konstnärliga processer tillsammans med skillnaderna mellan vad som är ”riktigt liv” och vad som är konstgjort.
Många konstnärer som arbetade inom genren fotorealism på 1960-talet och framåt använde filmbilder för att projicera bilder på sina dukar. Att använda projektioner som vägledning för sina målningsprocesser innebar att fotorealistiska konstnärer också övervägde förhållandet mellan ljus och färg, där filmprojektioner förenade båda som ett enda element.