Den mänskliga fantasin är obegränsad och ibland kommer våra kreativa hjärnor på berättelser och ämne som helt enkelt inte kan uppnås med riktiga skådespelare, rekvisita och kostymer. Animation: konsten att väcka bilder till liv. Teknikerna som skapade dessa animationer, en gång noggranna, har gjort stora framsteg tack vare tekniska framsteg.
Animationens historia är mångsidig. Utvecklingen av animation är en pågående process. Men det vi betraktar som animation idag kom till på 1800-talet med uppfinningar som de magiska lyktorna och zoetropen.
Det var när animation gick på bio som vi började se en betydande utveckling under successiva epoker av animation.
Animerade serier kom åtminstone ett halvt sekel före animerade filmer.
Animation har sin existens att tacka principen om att bilder som visas i följd i snabb takt ger en illusion av rörelse.
1900-talet: Den första animerade kortfilmen
Även om några andra filmer hade skapats under åren innan, anses Fantasmagorie allmänt vara den första riktiga animerade filmen. Skapat av Emile Cohl, följer kortfilmen en käppfigur som möter andra karaktärer och förvandlar föremål. På den tiden var svarta tavlakarikatyrer populära på vaudevilles kretsar, så teckningarna filmades i negativ för att ge animationen utseendet av en tavlateckning som väckts till liv.
1910-talet: Rotoskopering ger mer realism
1915 utvecklade Max Fleischer rotoskoptekniken, där projektionsutrustning används för att spåra figurer från stillbilder av live-action-filmer. Denna metod gjorde det möjligt för animatörer att få en bättre förståelse för de finare aspekterna av en rörlig form för att skapa realistiska, flytande rörelser i animerade stycken. Fleischers patent på rotoskopering gick ut 1934, vilket gjorde det möjligt för andra animatörer att slå in och fritt använda tekniken.
1920-talet: Traditionell animation tar fart
Animatören Walt Disney grundade sin egen studio i Kalifornien som (som hans namn antyder) senare skulle bli Walt Disney Studios, en titan i branschen. Även om det var den tredje delen av Musse Pigg-serien, var det 1928 års klassiker, Steamboat Willie, där Musse Pigg äntligen fångade allmänhetens hjärtan. Återkommande karaktärer från serien som Minnie Mouse, Goofy och Kalle Anka finns fortfarande kvar idag!
1930-talet: Walts chansning lönar sig
Under hela det tidiga 1930-talet dominerade animationsstilen ”gummislang” branschen, vanligtvis inställd på jazzmusik som var populär för eran.
Sedan kom Disneys Snövit och sju dvärgar. Släppt 1937, det var den första långfilmen skapad helt med handritad animation. Som den första i sitt slag fick Disney kämpa hårt för att få filmen släppt, och till och med belånade sitt eget hus för att hjälpa till att betala de enorma produktionskostnaderna. Men filmen blev en enorm framgång och den banade väg för många fler ikoniska Disney-filmer att komma! En sak är säker – de gör inte filmtrailers som de brukade!
1940-talet: Animering till TV
Under tidigare decennier kunde man bara hitta animation på biografer, där de flesta sökte sin dos av animerad underhållning. När hem-TV blev mer populärt, debuterade den allra första animerade TV-serien i form av Crusader Rabbit, en serie av 4 minuter långa satiriska cliffhangers som skulle fortsätta att sändas så sent som på 1970-talet. En av dess skapare, Jay Ward, skulle senare fortsätta att skapa The Rocky & Bullwinkle Show.
1950-talet: Skräckfilmer
I dagarna långt innan datorgenererade bilder (CGI) användes traditionella animationsmetoder som stop-motion som ett alternativ till att någon skulle klä ut sig i en monsterdräkt, som kunde se kaxig och lite mindre skrämmande ut. Efter exemplet med den ursprungliga King Kong använde ”varelsefunktioner” som The Beast from 20 000 Fathoms och It Came From Beneath the Sea stop-motion-animation för många av sina monsterscener.
1960-talet: tecknade serier på lördagsmorgonen blir vardag
När färg-TV kom ut på marknaden under det föregående decenniet öppnade det upp en värld av kreativa möjligheter för animering i massmedia. Att sända tecknade serier som The Flinstones en lördagsmorgon när barnen inte hade skola blev en vanlig trend. Xerografi anpassades också för att påskynda produktionsprocessen genom att skriva ut animatörens teckningar direkt på animationsceller (de genomskinliga ark som de ritades på så att de kunde läggas över bakgrunder) istället för att färga dem för hand. Den första långfilmen som använde denna teknik var Hundra och ett dalmatiner.
1970-talet: Animering för vuxna
Vem säger att animering bara är för barn? När samhället blev allt mer experimentellt under 1970-talet bröt kreatörerna ur stereotypen av barnvänligt ämne och anpassade Robert Crumbs serieserie Fritz the Cat till en animerad komedifilm med samma namn. Fritz the Cat, som inte drar sig för kontroversiella ämnen, var en stor framgång inom motkulturen och en R-klassad uppföljare skulle följa bara några år senare.
En kort evolutionär historia av animation inom underhållning
1834 skapade Joseph Plateau från Belgien ett fenakistoskop, det var ett av de första försöken med klassisk animation.
Det var en kartongskiva med på varandra följande bilder som gav illusionen av rörelse när den en gång snurrades och sågs i spegeln.
År 1876 tillämpade Emilé Reynaud i Frankrike samma fenomen och utarbetade ett system för att projicera animation i teatraliska utställningar.
Han var den första som gav färg och personlighet till animerade karaktärer genom band av celluloid målade för hand.
Det dröjde inte länge innan kedjehjulet drivs filmlager nådde animationsmarknaden och satte det flera steg framåt.
Hur gjordes tecknade filmer innan datoranimering?
De gjordes bild för bild.
Du gick antingen till pixillation eller stop motion. Båda är baserade på samma princip och båda krävde att varje bildruta skulle spelas in på film. Det är därför man i animation kan säga att varje bildruta (bild) är en sekvens (varje bild fortsätter bara under en bildruta).
Förr såg stora animeringsstudior ut som fabriker eftersom en enda film krävde flera 10K-ritningar. De sysselsatte mest kvinnor.
De använde också lager, ungefär som hur de används idag. Förutom att de använde genomskinliga folieark att rita på, så varje karaktär var ett lager för sig, medan bakgrunden var ett annat lager (det fanns bakgrundskonstnärer i produktionen, som bara gjorde bakgrundsbilder). Denna metod kallas pixillation.
Sedan tog de bilder av varje enskild ram med alla lager kombinerade. För det användes en monsterutrustning som kallas animationsstativ. Den har flera lager av glas, på vilka operatören lägger ritningarna – lager för lager, ruta för ruta – och fotograferar dem med en filmkamera. Ritningarna hölls på plats av små hål på ena sidan.
De använde nyckelbildrutor för att styra animeringen, ungefär som vi använder den idag, förutom att dessa var handritade.
Stop motion gjordes genom att göra små modeller av miljön och animera karaktärerna i dem, ett litet drag av ett annat, återigen fotograferat på film.
De mest populära var modelllerkaraktärer, men det fanns andra material som användes. Idag är det fortfarande en värdefull färdighet att lära sig hur man gör ett riktigt animerande skelett (för en docka). Wallace & Gromit är ett exempel på dagens stop motion som tog sig till toppen.
Stop motion är förfadern till 3D-modellering – det är i princip samma process, de enda två skillnaderna är att för stop motion använder du en riktig modell och i 3D renderar du ut hela sekvensen på en gång (du gör rörelsekurvan i programmet ), medan du med stop motion måste ta separata bilder (du modellerar rörelsekurvorna i ditt huvud och applicerar dem sedan på modellen).
Stop motion är det enklaste sättet att göra animationer; många gör det med Lego. Du kan förmodligen göra det med din smartphone.